Gratuit sur réservation
FF@50 / MFTA@50 / SSP@40
« Party in the Park » est un festival d'art performatif d'une journée présenté en collaboration avec Franklin Furnace et Materials for the Arts. Fort de la conviction que les artistes s'épanouissent au sein d'un écosystème culturel solide, le festival célèbre le partenariat qui lie depuis plusieurs décennies trois organisations artistiques basées dans le Queens, engagées à offrir aux artistes des ressources, des espaces, des opportunités et un esprit communautaire.
Cette année marquée par des événements phares pour chacune de ces organisations — le 40e anniversaire du Socrates Sculpture Park et le 50e anniversaire de Materials for the Arts et de Franklin Furnace —, le festival rassemble leurs communautés respectives pour une journée dynamique consacrée aux spectacles, à la musique et à la participation du public le long des berges du Socrates.
Organisé par Francheska Alcántara et intitulé « Performaxxing », ce programme présentera des performances audacieuses, centrées sur le corps et de longue durée, qui adoptent une esthétique du « toujours plus » à la fois comme symptôme et comme matière de la vie contemporaine. « Performaxxing » pose une question unique et sans réponse : que se révèle-t-il lorsque l’on pousse le « soi » jusqu’à ses limites, et qu’est-ce qui, alors, est détruit ?
Plus qu’une simple fête, « Party in the Park » est une célébration de trois organisations artistiques établies de longue date dans le Queens, dont le partenariat durable a contribué à enrichir le paysage culturel de New York depuis des décennies. C’est l’occasion de mettre à l’honneur la collaboration artistique, d’encourager la prise de risques créatifs et de réaffirmer le rôle essentiel de l’espace public dans le soutien aux artistes et le dynamisme des communautés.
Artistes :
Itala Aguilera
Vêtus d'une tenue confectionnée dans un tissu comestible, trois artistes en découperont des morceaux pour les manger et les partager avec le public, jusqu'à ce que la tenue soit entièrement consommée.
Barney le drogué
Le parc se transforme temporairement en terrain d'action d'un système fictif de traitement des demandes d'immigration. Au lieu de construire un véritable centre de rétention, Crackhead Barney crée une institution itinérante.
Jake Brush w/ Candystore & Mike Feswick
Un concours d'empilement consistant à réciter les titres d'épisodes de “ MTV True Life ” sous forme de confessions décalées, le gagnant remportant un « pouvoir spécial » mineur lui permettant de saboter le numéro de karaoké qui suivra.
kAra Lynch
« Keening » est une invitation sonore et corporelle à gémir, à faire son deuil et à pleurer ensemble en public, réunis autour d’un gouffre géographique situé dans le parc, qui sert de métaphore à notre chagrin personnel et collectif.
Zavé Martohardjono
Une complainte lyrique mise en musique à partir d’un montage de cris de chanteurs de disco et de house, qui aborde le travail émotionnel et physique des personnes queer confrontées à la persécution politique.
Joncs
Abordant les thèmes du changement climatique, de l’hypermasculinité, du déni et de l’exploitation des ressources, le drag king Stan se dévoile à travers le mouvement, le clown et le son.
Sandy Williams IV
Repousser ses limites physiques en jouant de la guitare et en répétant une seule phrase du morceau “ Come As You Are ” de Nirvana, jusqu'à l'épuisement.
Coco Villa
Fchair de fruit explore la manière dont la répétition et l'endurance fonctionnent comme des formes d'illumination et de catharsis.
Musique de Madre Guía
Materials for the Arts’ pop up Reuse Art Booth
Come make art from re-used materials with inspiring supplies from Materials for the Arts. Artists from NYC’s premier re-use facility will be on hand throughout the day to guide participants in making their own art projects from bits of old technology and other found materials, inspired by current MFTA Artist in Residence sTo Len, who’s show will be opening at MFTA Gallery on September 24th and at Socrates next year.
Franklin Furnace’Sa mission consiste à présenter, préserver, interpréter, sensibiliser et défendre l’art d’avant-garde, en particulier les formes d’art qui pourraient être menacées en raison d’une négligence institutionnelle, de préjugés culturels, de leur caractère éphémère ou d’un contenu politiquement impopulaire. L’organisation met à disposition des espaces physiques et virtuels pour la présentation d’œuvres d’art temporelles, notamment des livres d’artistes et des périodiques, des performances, des installations et des formes d’art d’avant-garde contemporain inédites ; elle mène également d’autres activités liées à ces objectifs. Franklin Furnace s’attache à soutenir les artistes en début de carrière, à cultiver l’appréciation de l’art d’avant-garde auprès de tous et à encourager la volonté des artistes de faire circuler leurs idées.
Matériaux pour les Arts est le premier centre de réutilisation créative de New York, qui permet aux associations artistiques à but non lucratif, aux écoles publiques et aux services municipaux de la ville d’accéder gratuitement à du matériel. Nous nous efforçons d’éviter que ces objets de valeur ne finissent à la décharge et de les mettre à la disposition des professionnels des arts, des enseignants et des élèves des cinq arrondissements.
Itala Aguilera est née et a grandi à Mexico. Son travail s'articule actuellement autour de la recherche de nouvelles façons de se déshabiller en transformant la matérialité de ses vêtements, ce qui l'a amenée à expérimenter différents supports, notamment : des matériaux hydrosolubles, thermoréactifs, comestibles et naturels ; l'électronique ; la performance ; et la vidéo. En 2025, elle a obtenu une bourse du New York State Council on the Arts, grâce à laquelle elle a réalisé son exposition personnelle *Tierra Mojada* (Terre humide) à Flux IV. Elle a également participé au programme de résidence « Work-in-Progress » au Textile Arts Center, où elle a présenté sa performance en direct « Pearls » (un strip-tease thermodynamique) avec le soutien de la Foundation for Contemporary Arts.
Crackhead Barney est née à Jamaica, dans le Queens, de parents très religieux qui avaient émigré aux États-Unis depuis le nord du Nigeria. Elle a grandi avec ses frères et sœurs dans un appartement d’une seule chambre, à une époque où le « wokisme » et la politique identitaire ne dominaient pas encore le paysage culturel, et elle a toujours été la cible de moqueries en raison de ses origines africaines et de son teint foncé. Elle a étudié les beaux-arts et les médias au Hunter College, où on lui a dit que ses œuvres ne valaient rien. Rejetée par les musées et les galeries, elle a décidé de prendre les choses en main et d’utiliser les rues de New York comme toile, peignant des images avec son corps à travers le paysage sans avoir à satisfaire les désirs des institutions culturelles. Elle a créé le compte « Crackhead Barney and Friends » sur Instagram et TikTok et a commencé à développer un véritable culte de la personnalité qui, depuis, soutient sa pratique créative.
Jake Brush est un artiste vivant à New York. Il s’intéresse à la télé-réalité, aux potins et aux conflits interpersonnels, et travaille dans les domaines de la vidéo, de la performance, de la sculpture et de l’installation. Ses œuvres récentes ont été exposées à Wave Hill, Duplex, The Shed, International Objects, Below Grand, à la Fondation Emily Harvey, à la Nina Johnson Gallery, au MIX Film Festival et à Electronic Arts Intermix. Il a participé aux programmes de résidence Shandaken : Storm King, Signal Culture et à l’Institute for Electronic Arts de l’Alfred State College. Son travail a fait l’objet d’articles dans BOMB et Cultured Magazine. Sa première exposition personnelle en Europe, intitulée « Mall, Interrupted », a été inaugurée au Kunstplaats Vonk (Hasselt, Belgique) en mai 2025.
Kara Lynch, artiste travaillant sur la notion de temps, vit en exil dans le Bronx et mène des actions culturelles sur le territoire indien ainsi qu’à La Nouvelle-Orléans/Bulbancha. En invoquant l’autonomie des populations noires et autochtones à travers la diaspora, la pratique artistique de Kara est faite de « re-mémoire », de vision et de mouvement. La pratique féministe collective et l’intervention sociale animent les explorations esthétiques et politiques de Kara Lynch sur le temps et l’espace. Kara Lynch est une artiste phare du projet INVISIBLE – une série d’installations épisodiques et multisites qui mettent au jour la terreur et la beauté résiliente des expériences des Noirs et des Autochtones ; elle est également coéditrice de *We Travel the Space Ways : Black Imagination, Fragments and Diffractions* ; réalisatrice de *BlackRussians* – un long métrage documentaire vidéo ; et animatrice de *Blues U*, une émission de radio bimensuelle diffusée sur radiocoyote.org à Tulsa, dans l’Oklahoma, de 2021 à 2024.
Zavé Martohardjono est un·e artiste transdisciplinaire qui travaille à la croisée de la danse, de l’installation et du son. Ses œuvres temporelles, ancrées dans la libération écologique et politique, stimulent les sens du public à travers des rituels qui invitent à rêver d’un avenir plus juste. Il·elle a été nominé·e en 2022 pour le prix Bessie/New York Dance and Performance Award dans la catégorie ’ Meilleur·e interprète » ; lauréat de la Fondation Mertz Gilmore, du Fonds d’engagement communautaire, de la Fondation pour les arts contemporains et de la Fondation Puffin ; boursier 2025 du Centre d’ethnographie expérimentale ; et membre 2024-2026 du programme NEW INC dans la filière « Réalités étendues ». Leurs œuvres ont été présentées au Lincoln Center, au Kennedy Center, au Storm King Art Center, au 92Y, à l’Aljira Center for Contemporary Art, à l’Asian Arts Initiative, au Bemis Center for Contemporary Art, à El Museo del Barrio, à l’Issue Project Room, au Winslow Garage, ainsi qu’à Amsterdam, Berlin, Glasgow, Jakarta, Montréal, Skopje et Zurich.
Reed Rushes est un artiste de performance anglo-américain qui vit et travaille dans le Queens, à New York. La pratique de performance multimédia de Rushes s’articule autour de la fantaisie queer. Alliant le drag, le mouvement, la vidéo, des objets trouvés et fabriqués de toutes pièces, ses performances déconstruisent les distinctions hiérarchiques entre les corps humains, l’affect émotionnel et l’objectivité. Décrit comme ’ défiant les frontières de la peau pour mettre en scène la solidarité “ (Exeunt Magazine), son art explore des modes de connexion au-delà du domaine physique. Travaillant souvent en collaboration, le travail de Reed Rushes nous rappelle notre propre interdépendance et notre capacité à opérer une transformation collective.
Sandy Williams IV crée des œuvres autour du thème du temps : monuments, sculptures, films et poèmes. Ayant grandi dans le sud des États-Unis, sa pratique créative méthodique démystifie les complexités du temps abstrait à travers le prisme d’une imagination radicale noire. Ses projets itératifs mêlent des moments de catharsis collective à des expériences vécues et partagées, afin de mettre en lumière les différentes strates de présence historique qui structurent notre vie quotidienne. Williams est maître de conférences en art à l’université de Richmond et lauréat de la bourse Joan Mitchell 2024, de la bourse du Virginia Museum of Fine Arts et de la bourse Van Lier du New York Community Trust.
Coco Villa est une danseuse, artiste interdisciplinaire et enseignante d'origine jamaïcaine, colombienne et américaine, installée à Brooklyn, New York. Elle mène une pratique artistique et de recherche qui explore les relations entre le corps, l’objet et le paysage, en s’inspirant des traditions de la diaspora africaine et d’un jeu rigoureux. Si Coco Villa travaille principalement dans les domaines de la photographie argentique et de la danse, sa pratique englobe également la conception de costumes, l’art de la performance et le cinéma.
Madre Guía (Stephanie Hewett) est une artiste interdisciplinaire dont le travail s’inscrit dans une pratique du mouvement axée sur le jeu, au sein d’un cadre exploratoire. En tant qu’artiste queer, noire et issue de la diaspora africaine, avec des racines dans les Caraïbes, son travail s’inscrit inévitablement dans des pratiques émancipatrices. Hewett cherche à approfondir la curiosité autour de l’expérience afro-américaine en se concentrant sur les manifestations sonores, somatiques et spirituelles de la liberté noire à travers diverses structures d’improvisation et des expérimentations interdisciplinaires.
